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Jun 15, 2023

Die 25 besten Hunde im Film

Die neue Komödie „Strays“ beginnt so, wie man es von einem Film mit entzückenden sprechenden Hunden erwarten würde: Sonnenschein, fröhliche Musik, schwereloses Springen über smaragdfarbene Felder. Es ist der beste Tag aller Zeiten

Die neue Komödie „Strays“ beginnt so, wie man es von einem Film mit entzückenden sprechenden Hunden erwarten würde: Sonnenschein, fröhliche Musik, schwereloses Springen über smaragdfarbene Felder. Es ist der beste Tag aller Zeiten, wie der ahnungslose Border Terrier namens Reggie mit der Stimme von Will Ferrell sagt, und er weiß es, weil jeder Tag der beste Tag aller Zeiten ist. Er bemerkt nicht wirklich, dass sein widerstrebender Besitzer (Will Forte) ein zertifiziertes Stück Müll ist, der eine Pause von seinem strengen Zeitplan einlegt, in dem er Gras raucht und masturbiert, nur um seinen unerwünschten Mitläufer mehrere Städte weiter zu vertreiben und ihn auf einer Lichtung zurückzulassen . In einer drastischen Abkehr von der Grundsentimentalität, die für Hundekinos üblich ist, folgt der Film Reggies Odyssee nach Hause, damit er dem Mann, von dem er schließlich merkt, dass er ihn nicht liebt, den Schwanz abbeißen kann, mit obszönen Umwegen über Psilocybin-Pilze, was ungewöhnlich ist große Erektion und eine Lawine von Kot auf dem Weg.

Strays ist stolz darauf, den Kontrapunkt zum heiklen Standard des Hundefilms zu bilden, obwohl das Subgenre nicht nur aus Nasenküssen und Lektionen besteht. Die folgende Liste versammelt die besten Filmhunde der Geschichte, eine bunte Menagerie, die Figuren aus Tragödien und Komödien, Ersatzväter und -söhne, Helden und Bösewichte, kluge Schlingel und unwiderstehliche Idioten umfasst. Innerhalb der wiederkehrenden Themen wie Einzelgängertum, Intimität und der zaghafte Prozess, durch den das eine zum anderen wird, gibt es Raum für jede Menge Variationen. Ein Detektiv, ein halbprofessioneller Sportler, ein zum Leben erwecktes Stilmittel, ein Stummfilmstar, gefangen in den Strömungen des 20. Jahrhunderts – wenn man dem Zeichentrickfilm Glauben schenken darf, ist das Einzige, was sie gemeinsam haben, dass sie es sind alle kommen in den Himmel.

Die Filmfestspiele von Cannes verleihen den prestigeträchtigen Palm Dog Award nicht irgendjemandem. Als wichtigste weibliche Präsenz im Leben des Stuntman Cliff Booth – sie wartet in seinem Wohnwagenpark auf den Witwer anstelle der verstorbenen Frau, die er möglicherweise ermordet hat oder auch nicht – behauptet sich die Hundeschauspielerin Sayuri geschickt als Szenenpartnerin gegenüber Brad Pitt , gekonnt mit den komödiantischen Beats der Fütterungszeit. Und egal, ob Sie das orgiastische Blutvergießen beim Manson-Family-Attentat im großen Finale als revisionistische Katharsis oder als sadistische Geschmacklosigkeit empfinden, Brandy macht ihren Job und noch einiges mehr, indem sie sich mit schneller Brutalität an die Hippie-Angreifer klammert. Quentin Tarantino baut gerne Spannung auf, indem er ein Ass im Ärmel, eine versteckte Waffe oder einen Spion unter den Dielen versteckt. Mitleidslos und wild hinter ihrer unschuldigen Schnauze ist Brandy Cliffs Trumpf.

Diese Liste sammelt jede Menge gute und böse Hunde, aber Lars von Triers strenge Parabel über die Grausamkeit der amerikanischen Gesellschaft trägt den einzigen metaphorischen Hund bei. Auf der Flucht vor Gangstern sucht eine Wanderin Zuflucht in einer scheinbar freundlichen Stadt, die ihre missliche Lage nach und nach ausnutzt, bis sie in die erbärmliche Sklaverei gezwungen wird. Menschen sind böse Wesen, erzählt uns von Trier, und er bringt es auf den Punkt, indem er in der letzten Einstellung Moses von einem Kreideumriss im Brecht-Stil in ein körperliches Tier verwandelt. Nachdem der Mob unsere unterworfene Heldin eingeholt hat, um in ihrem Namen die Dorfbewohner abzuschlachten, verschont sie nur Moses, dessen Wut in seinem Gebell als gerechtfertigt und rein erachtet wird. (Hinter den konzeptuellen Schnörkeln verbirgt sich die einfache Schlussfolgerung, dass er seine Knochen verloren hat. Im Gegensatz zu den Menschen weiß er nicht, was er tut.) So kurz sein Auftritt auch sein mag, er spielt eine bedeutende Rolle im subtextuellen Wirken einer dichten Avantgarde-Allegorie, in die er sich verwandelt ein Symbol für den Zustand der Natur, der durch unsere grobe Menschlichkeit verdorben ist.

Das wichtigste Element in jedem Buddy-Cop-Film ist die Dynamik der zentralen Paarung, die den Grundstein für Differenz und Spannung legt: ein ergrauter Rassist und eine streng prinzipientreue Minderheit, ein ergrauter Lebenskünstler und ein naiver Neuling, eine regelrechte Regel -Anhänger und eine lose Kanone. Der südkalifornische Detektiv Scott Turner und die verwaiste Bordeauxdogge seines kürzlich ermordeten Freundes geben ein wunderbar seltsames Paar ab, das Tom Hanks‘ Junggesellen-Unreife mit der Verantwortung in Frage stellt, die ihm die Haustierhaltung auferlegt. Das „Mann-Kind wird erwachsen“-Thema sattelt seinem mürrischen Einzelgänger oft ein Baby auf, aber diese überraschend sensible (und lukrative) Komödie behandelt Hooch eher wie einen Erwachsenen als wie einen Welpen, bis hin zu seiner noblen Schlussszene. Sein überaus ausgeprägter Geruchssinn macht ihn zu einem Naturtalent für die Ermittlungsarbeit, aber der Film respektiert ihn vor allem wegen der Stärke seiner Überzeugungen.

Die Studios der Stummfilmzeit Hollywoods lebten und starben von der Leistung ihrer Stars, und Mack Sennetts Low-Budget-Comedy-Fabrik war nicht anders. Die geschickte Komikerin Mabel Normand ließ Herzen höher schlagen, Roscoe „Fatty“ Arbuckle spaltete mit seinem Slapstick die Seiten und die Deutsche Dogge mit dem liebevollen Spitznamen „Keystone Teddy“ erlangte die gleiche Berühmtheit wie alle anderen. (Nach Berichten von Besetzung und Crew zu dieser Zeit am Set benahm er sich mit der ganzen Professionalität seiner menschlichen Kollegen.) In dem 24-minütigen Kurzfilm, der seinen Namen trug und seinen Ruhm festigte, rettete Teddy die junge Gloria Swanson vor einem entgegenkommenden Menschen Zug, etwa dreißig Jahre bevor sie auf dem Sunset Boulevard verewigt wurde, und zerrte dann den Bösewicht am Mantel vor Gericht. Mit unermüdlichem Elan veranschaulichte Teddy die angeborene Begabung des Hundes für stille Darbietungen, einen gestischen Schauspielstil, der perfekt zu einem vierbeinigen Schauspieler passt, der nicht durch Sprache belastet wird.

In den frühen 90er-Jahren mussten sich Amblins Handvoll Zeichentrickproduktionen zwischen der Skylla von Disneys zweitem Kommen und der Charybdis von Pixars kometenhaftem Aufstieg durchzwingen, aber die Millennial-Kinder, die auf Balto aufgewachsen sind, haben einen besonderen Platz in ihrem Herzen für den rauflustigen Nebendarsteller. Der Wolfshund mit der grauen Mähne führte im Jahr 1925 tatsächlich eine Schlittenfahrt durch das eiskalte Gebiet Alaskas an, um eine lebensrettende Ladung Diphtherie-Serum abzuliefern, ein mutiges Profil, das mit der Hilfe von Kevin Bacon als dem Can-Do-Hund dramatisiert wurde. Obwohl der weiße Synchronsprecher eine etwas kontraintuitive Wahl für eine Figur trifft, die sich durch seine komplizierte Beziehung zu seinem eigenen gemischtrassigen Erbe auszeichnet, liefert seine Handlung eine eindeutige Lektion für junge Zuschauer, die Schwierigkeiten haben, herauszufinden, wo sie zwischen den Identitäten Platz finden. Auf dem Weg nach Nome gelangt Balto auch zu der ewigen Weisheit, dass es einen cool macht, anders zu sein, und dass es eine bestärkende und bereichernde Reise sein kann, zu erfahren, woher man kommt.

Sylvain Chomets charmante Komödie führt in karikierter Form von einem Frankreich, in dem Radfahrer sich von einer Infusion Cabernet ernähren, in ein Amerika, das von Reichen und Fettleibigen bevölkert ist. Bruno, seit seiner Kindheit ein treuer Trainingspartner eines hoffnungsvollen Tour-de-France-Champions namens Champion, wurde ebenfalls mit einem Auge für Übertreibung entworfen: Ein Felsbrocken von einem Bauch sitzt auf wackelnden, dürren Gliedmaßen, und seine Schwäche passt zu seinen Knopfaugen, die noch winziger zu seiner übergroßen Nase sind . Er passt genau in den Film, ein Rückblick auf das Jazz-Zeitalter, der wortlose Körperkomödie dem Dialog vorzieht, so clownesk und stoisch absurd wie Charlie Chaplin. Bruno begleitet uns auf der Mission, den entführten Champion zu retten, und doch bekommen wir den klarsten Einblick in sein Inneres in den ersten Szenen, in denen er im Haus herumfurzt. Er isst, heult den Zug an, der an seinem Fenster vorbeifährt, und hat gelegentlich surrealistische Angstträume davon. Scheint ein ziemlich gutes Leben zu sein.

Jim Varney verärgerte die Bejesus aus Amerika in den Werbespots, Filmen und kurzlebigen TV-Serien mit dem aufgeregten Ernest P. Worrell, aber als Andys zusammengerolltes Spielzeug wahrte er viel Gesicht. Die seltsame Glätte der primitiven Computeranimation – auch wenn es für 1995 beeindruckend war, die Textur seiner ledrigen Ohren von seinem Plastikkörper abzuheben – tut Slink keinen Abbruch zu seiner allgemeinen Liebenswürdigkeit, ebenso wenig wie sein kiesiger texanischer Ton. Als es aufgrund einer Fehlkommunikation so aussieht, als hätte der eifersüchtige Cowboy Woody den heißen neuen Raumfahrer in der Spielzeugkiste verarscht, glauben nur Woodys beste Freundin Bo Peep und der unerschütterlich ergebene Slink an seine Unschuld. Ganz gleich, ob Sie eine gewagte Flucht organisieren oder einfach nur versuchen, die Moral aufrechtzuerhalten, Sie wollen ihn an Ihrer Seite haben. (Erzählen Sie es ihm nur nicht, wenn es schlechte Nachrichten gibt. Mit seiner süßen Einfältigkeit wird er sofort „SCHLECHTE NACHRICHTEN?!“ schreien, damit alle es hören können.)

Ein böser, menschenfeindlicher Geist zieht sich durch Todd Solondz‘ episodische schwarze Komödie, ein Spiel der Grausamkeit, das Down-Syndrom, Meth-Sucht, berufliches Scheitern, Amateur-Bombenanschläge und Krebs thematisiert. Ein Zuschauer verbringt die gesamte Laufzeit damit, darauf zu warten, dass dem munteren, ungestörten Dackel, der die Vignetten verbindet, etwas Unaussprechliches passiert, wie das misshandelte Maultier von Au Hasard Balthazar, aber er ist ein hartnäckiger kleiner Kämpfer. Während Enttäuschung und Tragödie um die menschlichen Charaktere (ein Ensemble aus den Indie-Lieblingen und Megastars Greta Gerwig und Kieran Culkin) wirbeln, fährt er einfach weiter, ohne sich der vielfältigen Bitterkeiten des Alltags bewusst zu sein. Mit der Zeit wird sein seliger innerer Frieden zu einem gemeinen Witz, der die vielfältigen psychischen Qualen der Menschen um ihn herum unterstreicht. Sein glattes Gehirn wird für diejenigen, die von ihren eigenen Neurosen geplagt werden, zum Ziel; Wenn er nicht weiß, wie man beiseite tritt oder der Straße aus dem Weg geht, weiß er auch nicht, wie man deprimiert wird.

Vielleicht sind es die Micky-Maus-ähnlichen Augen, vielleicht ist es die aggressive Bekömmlichkeit des Disney-Brandings, aber irgendetwas hat die Erinnerung an diesen 80er-Jahre-Klassiker weitaus sanfter gemacht als seine Realität. Ein Rückblick aus der Sicht eines Erwachsenen offenbart eine ergreifende und oft melancholische Darstellung der zarten Freundschaften, die zwischen Kindern entstehen, bei denen es sich in diesem Fall zufällig um einen Fuchs und einen Hund handelt. Sie kämpfen gegen Erziehung und Natur, während sie gegen die Familien rebellieren, die sie zu geborenen Erzfeinden erziehen, deren Naivität von der Zeit auf die Probe gestellt wurde. Es ist überaus schockierend, wenn ein ausgewachsener Copper (gesprochen von einem 30-jährigen Kurt Russell) nach einem Sommerurlaub mit aktivierten Jagdinstinkten verändert zurückkommt, nur ein Ausdruck der launischen, launenhaften Qualität dieser emotional widerspenstigen Kinderjahre. Die gegenseitigen lebensrettenden Gnadenakte, die den Höhepunkt einläuten, sind ein echter Knaller, denn auch wenn es sich dabei um sprechende Lebewesen handelt, fühlen sich diese zerbrechlichen Feinde echt an.

Es kommt nicht oft vor, dass ein Film den besten Freund des Menschen als Bösewicht darstellt, und wenn doch, gibt es immer eine erlösende Rationalisierung, die offenbart, dass die Menschheit damit begonnen hat. Stephen King hegt, wie in diesem Thriller aus dem Jahr 1983 bewiesen wird, in dem Mutter und Sohn einem tollwütigen Bernhardiner ausgeliefert sind, kein solches Mitgefühl für unsere Hündchen. In einer köstlich ironischen Wendung des Spießes ist der Homo sapiens in einem heißen Auto gefangen, während ein Raubtier in Tigergröße auf der Lauer herumschleicht, verrückt geworden vor Tötungslust. Cujo hat kaum mehr zu bieten als das. Auch wenn er einst ein guter Junge war, ist seine ursprüngliche Zielstrebigkeit der Schlüssel zu seiner furchteinflößenden Präsenz. Er ist eine Perversion der Naturgesetze; Die Infektion durch eine erkrankte Fledermaus setzt sein natürliches Verhalten außer Kraft und verwandelt ihn in eine dämonische Version seiner selbst, ein wahres Monster, das an der Nahrungskette zerrt, als würde es Tauziehen spielen. Er ist möglicherweise der einzige Hund in den Annalen des siebten Teils, der beim Betrachter denkt: „Puh!“ nachdem er ermordet wurde.

Ja, ja, die Argumentation „Es gibt keine Regel, die besagt, dass ein Hund nicht Basketball spielen darf“ hat etwas Dickschädel-Genie an sich. Und ja: „Er sitzt. Er bleibt. Er schießt. Er punktet“ ist ein toller Slogan. Aber um die tiefere Anziehungskraft des Golden Retrievers zu würdigen, der sich hart in der Farbe bewegt, bedarf es keiner ironischen Entfernung, um sie zu würdigen; Er erscheint dem jungen Josh, als er ihn am meisten braucht, gerade als der Junge seinen Vater verloren hat und in eine Stadt gezogen ist, in der er keine Menschenseele kennt. Air Buds wahres Können liegt nicht nur im Hüpfen, sondern in seiner Fähigkeit, die starke jungenhafte Fantasie zu verwirklichen: „Was wäre, wenn der Hund, den ich als besten Freund betrachte, tatsächlich all die Dinge tun könnte, die ich mit einem echten Freund tun würde?“ Es wird alles auf eine konventionelle Erzählung über sportliche Außenseiter zurückgeführt – und zwar in einem wörtlicheren Sinne als sonst –, aber die sentimentalen Untermauerungen sind bei weitem nicht so albern wie der Anblick eines Hundekörpers, der in einen Basketballkorb gequetscht wird.

Wie Satchel, der arglose Shar Pei, im Comic Get Fuzzy erklärt: „Benji ist jeder Hund. Benji repräsentiert alles Gute und Edle in uns Hunden. Wenn du dich über Benji lustig machst, verspottest du die gesamte Hundekultur!“ Er hat auch nicht ganz Unrecht. Benji gehört irgendwo in der Mitte zu einer bevölkerungsreichen Linie hilfsbereiter Hunde, die weder so wild noch zahm sind wie viele seiner nassnasigen Brüder. „Die Leute mögen Lassie, sie mochten Rin Tin Tin, aber die Leute lieben Benji“, sagte Regisseur Joe Camp, etwas übertriebener, obwohl die ansehnlichen Einspielergebnisse aus der Serie mit fünf Filmen (Benji feiert Weihnachten! Benji geht nach Griechenland!) „Benji trifft Chevy Chase und Omar Sharif!“) unterstützen ihn erheblich. Benjis gewöhnliche Leinwandpräsenz – in seinem preisgünstigen Filmfahrzeug stellt er vor allem seine Fähigkeit zur Schau, auf Befehl hin und her zu gehen – macht ihn bemerkenswert, ein Paradoxon, das jeder intuitiv versteht, der sich in den Köter eines Fremden verliebt hat, nur weil er darauf steht Bürgersteig.

Diese eine Episode von Futurama entlehnte ihre verheerende Kraft der wahren Geschichte eines Akita, der neun Jahre lang geduldig an einer U-Bahn-Station auf die Rückkehr seines bereits verstorbenen Meisters wartete. Diese niederschmetternde (nicht)menschliche Geschichte aus den 20er Jahren inspirierte zwei Filme, einen aus seinem Heimatland Japan und ein amerikanisches Remake zwanzig Jahre später, mit zwei gegensätzlichen Interpretationen des eingebauten Pathos. Das Original spielt es etwas zurückhaltender, während die Hollywood-Version stärker zu Herzen geht. Ersterer bietet eine pastorale Vision der japanischen Vororte der Zwischenkriegszeit, während letzterer Hauptattraktion darin besteht, Richard Gere dabei zuzusehen, wie er sich 100 Minuten lang um einen süßen Puffball kümmert. Was auch immer ihre jeweiligen Verdienste sind, beide schätzen Hachi für seine unsterbliche Hingabe, die über den Punkt der Vernunft hinausgeht und die wie ein Stofftier aussehende Niedlichkeitsmaschine als Ausdruck anhaltenden Kummers nutzt. Er repräsentiert die Teile unserer Lieben, die wir niemals loslassen können; Bezeichnenderweise endet die amerikanische Fassung hoffnungsvoll mit der Adoption eines neugeborenen Welpen, um den Platz zu füllen, den Hachi hinterlassen hat, nachdem er sich seinem geliebten Papa angeschlossen hat.

Diese Familienkomödie ist ein dringend benötigtes Gegenmittel zu all den Filmen über die seelenbestärkenden Vorteile der Hundeerziehung. Sie behauptet, dass die Pflege eines Haustiers tatsächlich die Hölle sei, und basiert auf einem Test, wie viel ein durchschnittlicher Mann aushalten kann, bevor er kaputt geht . Von einem Freund zu Recht als „Onkel Buck unter den Haustieren“ bezeichnet, reißt der schlampige, sabbernde Bernhardiner mit galoppierender Hingabe eine Schneise des Chaos durch das einst aufgeräumte Haus der Newtons. Er ruiniert das Abendessen, er zerstört jeden Besitz, den Sie jemals geliebt haben, aber verdammt, ein Blick in diese hängenden Augen und Sie können nicht umhin, ein Minimum an Zuneigung für den großen Trottel zu spüren. Selbst wenn er einem Kopfzerbrechen bereitet, weiß jeder, der einen groben Verwandten hat, dass solche Persönlichkeiten uns Kopfzerbrechen bereiten und dementsprechend bis zuletzt verteidigt werden müssen. Zumindest sagen wir uns das, um vernünftig zu bleiben.

Die Handlung von Howard Hawks‘ unvergleichlichem Screwball-Film fügt seine Komponenten mit der Präzision und Komplexität von Uhrwerken zusammen: ein domestizierter Leopard, ein interkostales Schlüsselbein aus einem konservierten Brontosaurus-Skelett und ein schelmischen Wire Foxterrier namens George. Er lächelt, weil er den Hund-mit-Knochen-Jackpot geknackt hat und seinen prähistorischen Preis prompt vor dem gehetzten Cary Grant und der dämlichen Katharine Hepburn im Hinterhof versteckt. Nachdem sie Hepburn drei Tage lang gefolgt ist, führt er sie zum Ort des überaus wichtigen Schlüsselbeins und bildet damit den Dreh- und Angelpunkt für die Versöhnung zwischen unseren streitenden Liebenden. Wie die flibbertigibbet-Sternchen, die für diese Zeit und dieses Genre typisch sind, flitzt er durch das Leben, ohne sich darum zu kümmern, wohin er geht, ein glückliches Durcheinander, das die romantischen Hauptdarsteller in ihrem chaotischen Ende zusammenhält. Man kann ihn nicht trainieren, man kann ihn nur in all seinen unvorhersehbaren Launen hingeben – eine ziemlich gute Zusammenfassung von Hawks‘ altmodischer, aber liebevoller Sicht auf das schöne Geschlecht.

Skippy der Hund glänzte als George, aber sein angeborenes Charisma kam vier Jahre zuvor am deutlichsten zur Geltung, als er den trinkfesten, wohlhabenden Nick und Nora Charles bei ihren nebenberuflichen Ermittlungen half. Beim ersten Filmauftritt des scherzhaften Paares klären sie einen Mordfall, an dem ein alter Kumpel von Nick beteiligt ist, und das hätten sie ohne ihren treuen Kumpel nicht geschafft. Trotz der Feigheit, die ihn jedes Mal, wenn Gefahr droht, in die Flucht treiben, greift er als erfahrener Spürhund für versteckte Körper auf (Nicks und Noras gummiartiges Gespür ist seinem lasergesteuerten Geruchssinn nicht gewachsen). Am wichtigsten ist, dass er den sprudelnden Abschiedsaufnahmen des Films ein Band verleiht: Nachdem Nick ihn aus dem Bett geworfen hat, damit er sich im Schlafwagen eines Luxuszuges an Nora heranschleichen kann, schützt Georgie seine jungfräulichen Augen mit seinen Pfoten, einem Sichtknebel, der endlos nachgeahmt wird nie erreicht.

Wes Andersons Stop-Motion-Wunder verleiht den klassischen Hundethemen Heldentum, Freundschaft und Loyalität, Hundekonzepten, die im Allgemeinen in groben Zügen formuliert werden, ein verblüffendes Maß an ausgefeilter Reife. Chief (von Bryan Cranston mit patrizischem Knurren geäußert) und seine Truppe kuscheliger Landsleute auf der unwirtlichen Trash Island leben nach dem Kodex der Samurai, der in den Kurosawa-Filmen dargelegt ist, die Anderson beeinflusst haben, und betrachten Pflicht und Ehre als todernste Angelegenheit. Der De-facto-Alpha-Häuptling führt sie auf die Suche nach der Wiedervereinigung des robusten Menschen Atari mit seinen verlorenen Spots und übernimmt dabei die Position des Beschützers des Jungen. Als sie endlich ihr Ziel erreichen, überlässt Spots seinen Platz an der rechten Hand seines ehemaligen Besitzers an Chief und geht zu seiner Familie, eine Geste der Opferbereitschaft und des Altruismus, die alles andere als Kinderkram ist. Wie alle Kreationen Andersons verbergen diese Charaktere tiefe Sehnsüchte und Bedauern hinter ihrem starren Äußeren. Ihre Tiefgründigkeit passt genauso gut in eine zwei Zoll große Figur wie beispielsweise die von Jason Schwartzman.

Vielleicht ist es Betrug, beide Hälften des reproduktivsten Paares im Disney-Kanon auszuwählen, aber sie sind untrennbare Teile eines Ganzen. Mit ihrer ungewöhnlichen Charakterisierung als Eltern und nicht als Kinder, gut aufeinander abgestimmte Ergänzungen in einer Musterehe, brechen sie aus der Hundemeute aus; Der coole Vater Pongo teilt seine lockere Freundlichkeit mit seinem Besitzer Roger, genau wie Perdita die warme, verspielte Anmut von ihr widerspiegelt. Sie achten auf ihre 15-köpfige Brut und weitere 84 Waisenkinder, die unterwegs gerettet wurden, und leben die Tugenden guter Beschützer vor. Sie strahlen die Gewissheit aus, dass für das vermeintlich kleine Publikum alles gut wird, und zeigen, dass der Atomblock auch für die älteren Zuschauer eine unterhaltsame Zeit sein kann. Cruella DeVil stiehlt ihre Szenen, aber Pongo und Perdy bilden den moralischen Kern dieser ausgelassenen Familienangelegenheit.

Wenn Sie den Schädel des Durchbruchtalents aus Pixars Südamerika-Eskapade röntgen würden, würde ich mir vorstellen, dass Sie nur eine dieser kleinen Affenfiguren sehen würden, die zwei Becken zusammenklatschen. Das Gehirn des Canis lupus Familiaris ist in urkomisch einfachen Worten über ein Halsband aufgebaut, das Bellen in Sprache übersetzt und so auf den Punkt gebrachte Sätze wie „Ich habe dich gerade erst kennengelernt und ich liebe dich“ oder „Ich mag den Zapfen nicht“ generiert der Schande.“ Filme neigen dazu, ihre Hunde zu vermenschlichen, indem sie erkennbar menschliche Qualitäten auf sie projizieren, aber das Drehbuch von Bob Peterson und Pete Docter umfasst die weniger bestialischen Aspekte des Tierseins. Dug wird ständig durch den Schatten eines Eichhörnchens in seinem Augenwinkel abgelenkt. Er ist unvorsichtig vor Bewunderung und verzweifelt schnell, wenn seine Person ihn aus den Augen verlässt. Dug ist eine große, dumme Puppe, zu deren Verteidigung jeder von uns vor einen Zeppelin springen würde, und in dieser Hinsicht kommt er den echten Hunden, denen wir reichlich Bauchkratzen verpassen, vielleicht am nächsten.

Und nun die Geschichte eines kampferprobten Veteranen des Ersten Weltkriegs, der auf der Suche nach einer zweiten Rolle als Tagesschauspieler nach Tinseltown aufbrach und ihn mit seinem Hauch von Erfahrung schließlich auf die A-Liste eines außergewöhnlichen Charakterdarstellers brachte. Sein Name? Rin Tin Tin. Ein in Frankreich geborener deutscher Schäferhund, den ein amerikanischer Soldat von der Front geholt hatte, der später zum Hundeführer und Agenten aufstieg, trottete durch die geschichtsträchtige Poverty Row auf und ab, offen für jeden Job, den er bekommen konnte, und landete schließlich seinen großen Durchbruch in einem Kanada- Set Abenteuer Sechs-Walzen. (Auch eine spannende Rolle – als „The Wolf-Dog“ freundet er sich mit einem Pelzjäger an, vermasselt einen Rahmenjob und tötet den Bösewicht!) Rin Tin Tin war über Nacht eine Sensation und erzielte Gewinne, die Warner Bros. aus dem Film zurückbrachten steht kurz vor dem Bankrott und bringt 26 weitere Shows für Rin Tin Tins überragenden Machismo hervor.

Aus einer Kurzgeschichte von Eric Knight aus dem Jahr 1938 entstand zwei Jahre später der Roman „Lassie Come-Home“ und nach weiteren drei Jahren eine Verfilmung bei MGM. Der Bindestrich-freie Lassie Come Home machte den majestätisch behaarten Rough Collie zu einem bekannten Namen, der während der MGM-Ära in sechs weiteren Fortsetzungen, Neuauflagen aus England und den USA und vor allem in einer Hauptfernsehserie mündete, die neunzehn Staffeln lang lief Eisenhower bis Nixon. In Fred Wilcox‘ bahnbrechendem Vorzeigefilm freundet sich Lassie mit dem jungen Roddy McDowall an und versucht, die Klassenspannungen in Großbritannien zu lindern, indem sie ihren Verkauf von ihren freundlichen Arbeitern an einen hochmütigen Herzog ablehnt. Die Kamera hat keine Angst vor Nahaufnahmen von Lassies Gesicht, und der Schauspieler Pal (in Dog Drag, einer von zahlreichen Vertretern, die Geschlechtergrenzen überschreiten würden, um dieses brave Mädchen darzustellen) meistert die Situation mit schockierend ausdrucksstarken Gefühlen. Was also, wenn Hunde nur die Rücksichtnahme besitzen, die wir in ihnen sehen möchten? Wenn ja, wäre Lassie ein außergewöhnliches Schiff gewesen.

Nachdem sie ihren eigenen Hund für einen Nebenauftritt in ihrem Film „Old Joy“ gewonnen hatte, verschaffte die großartige Kelly Reichardt Lucy den Status einer Festzeltrolle für den folgenden Spielfilm, in dem Michelle Williams eine Vagabundin in den Außenbezirken von Oregon spielt. Wendy und Lucy haben kaum mehr auf dieser Welt als einander, und als ein unglücklicher Versuch, Hundefutter zu stehlen, sie auseinander reißt, schwört Wendy, die einzige Präsenz aufzuspüren, die ihr das Gefühl gibt, alles im Griff zu haben. Reichardt arbeitet in einem Stil, der manchmal als „langsames Kino“ bezeichnet wird. Er ist mit Stille und Stille vertraut und betont den stetigen Lauf der Zeit – alles Bedingungen, die mit der unmittelbaren Körperlichkeit von Lucy übereinstimmen, die im Moment präsent ist und niemanden in Eile hat. Sie ist es einfach, und für die ortslose Wendy, für die es jeden Tag aufs Neue darum geht, einen Schlafplatz zu finden, gibt es nichts Schwierigeres.

Sicherlich gibt es weniger traumatisierende Möglichkeiten, Grundschülern etwas über die Sterblichkeit beizubringen, aber sind diese Methoden in herrlichem Technicolor gedreht? In Disneys Streifzug durch den Western, Robert Stevenson, ist der Bürgerkrieg gerade zu Ende gegangen, obwohl das alles weit entfernt ist von dem idyllischen Grenzgebiet, in dem der Coates-Clan ein Zuhause gefunden hat. Um ihr malerisches Siedlerleben zu vervollständigen, braucht es einen Hund, und Old Yeller – so genannt wegen seines unverwechselbaren Jaulens – beweist, dass er seine Söhne Travis und Arliss vor einem abtrünnigen Bären beschützt. Während der Familienvater in Kansas Vieh hütet, ist Old Yeller weniger ein Stiefvater als vielmehr der Hund, der in einem noch nicht staatlich organisierten Gebiet für Ordnung sorgt. Unzählige Tausende Amerikaner können sich an dieses wesentliche Stück Nostalgie der frühen Boomer erinnern, wie ihre zarten jungen Herzen im letzten Akt zum ersten Mal durch den qualvollen Compassion-Kill pulverisiert wurden. Das traurige Tableau wiederholt die traurigen Enden von Otheren von Shane bis The Searchers, in denen die Rauheit des Wilden Westens beseitigt werden muss, damit die Zivilisation folgen kann.

Im Pantheon der Filmhunde ist Toto am tiefsten im kollektiven kulturellen Gedächtnis des Kinopublikums verankert, und das aus gutem Grund; Die böse Hexe schreit: „Und dein kleiner Hund auch!“ wird in Albträumen erklingen, solange es bewegte Bilder gibt. Wie das Hündchen angeblich in dem bizarren, aus der Ich-Perspektive geschriebenen Ich, Toto – Die Autobiographie von Terry, dem Hund, der Toto war, feststellt, einem spannenden Sammelband mit einem Vorwort, in dem erklärt wird, dass der Text des Buches in einem vergrabenen Schließfach gefunden wurde Der Zauberer von Oz fühlte sich an, als würde man Geschichte schreiben. (Der Terrier erinnert sich auch an die junge Judy Garland als „hübsch, nicht schön im Merle-Oberon-Stil, aber sehr, sehr hübsch“.) Gerade als Dorothy ein unglaublich idealisiertes Bauernmädchen war, träumte sie von einem Hund, der höflich darin blieb seinen Korb, bis die Zeit gekommen war, in Aktion zu treten. Jedes Stück ihrer grundlegenden Fabel ist unauslöschlich geworden – und Toto auch? – und Toto auch.

Martin und Lewis. Laurel und Hardy. Wallace und Gromit. Keine Liste der großen komödiantischen Duos der Geschichte wäre vollständig ohne den zu Pannen neigenden Käseliebhaber und seinen anthropomorphen, stummen Beagle. Gromit tendiert dazu, den heterosexuellen Mann zu spielen, der gezwungen ist, seine Verzweiflung über die endlosen Scherze seiner besten Freundin durch eine Kombination aus nachdrücklichem Zeigen und alarmiertem Augenbrauenziehen zum Ausdruck zu bringen. In dem transatlantischen Erfolg, der dem Schöpfer Nick Hook einen Oscar einbrachte, muss Gromit den Plan eines schändlichen Pinguins vereiteln, mit einer ferngesteuerten Roboterhose einen unbezahlbaren Diamanten zu stehlen, wovon Wallace glücklicherweise nichts merkt, bis er mit vorgehaltener Waffe festgehalten wird. Ihre absurden Heldentaten stellen Gromit oft vor die Herausforderung, alles zusammenzuhalten, aber er erntet immer noch seinen Spaß, indem er seine Kompetenz auf die lächerlichsten Extreme treibt; Während der entscheidenden Verfolgungsjagd im Wohnzimmer des Paares legt Gromit mit rasender Geschwindigkeit Gleise vor sich hin, gerade schnell genug, um den Zug, in dem er fährt, vor der Entgleisung zu bewahren. Ohne ein einziges Wort hat er eine komödiantische Persönlichkeit aufgebaut, die genauso reichhaltig ist wie Buster Keatons steinerne Gesichter oder Jacques Tatis Bumbler. Er ist ein guter Junge. Ja, ist er!